6.30.2009
Pesadillas.
Antes de crear Akira, Katsuhiro Otomo ya jugaba con la idea de niños con extraordinarios poderes psíquicos, capaces de mover y destruir objetos de gran tamaño (un edificio, una ciudad), y que se enfrentan en una batalla de características épicas. Lo hizo en Pesadillas, un cómic editado en 1980 bajo el título original de Domu, que significa "sueños infantiles".
El relato de Pesadillas se inicia y desarrolla bajo la investigación policial de una serie de extraños y atroces crímenes que suceden en un complejo habitacional compuesto por varios edificios. El inspector Takayama es parte del equipo a cargo de llevar las pesquisas, transformándose a medida que avanza la historia en testigo de inusuales situaciones.
Porque lo que se cierne sobre la vida de los moradores de dichos departamentos es la capacidad de alguien de alterar la mete de las personas, alguien de quien nadie podría sospechar pero que esconde bajo una aparente inocencia poderes psíquicos capaces de provocar insospechados comportamientos. Y sin embargo para él podría tratarse sólo de un juego.
Pesadillas contiene extraordinarios momentos de suspenso y el ritmo no decae en ningún instante. Algunas viñetas son amplias y muy detallistas. El guión es hábil y permite ir siguiendo alternadamente a la policía elaborando hipótesis mientras los habitantes de los edificios son testigos y víctimas de los extraños sucesos. Una obra propia de un autor mayor como es Katsuhiro Otomo.
Pesadillas.
Título Original: Domu.
Año: 1980.
Autor: Katsuhiro Otomo.
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El relato de Pesadillas se inicia y desarrolla bajo la investigación policial de una serie de extraños y atroces crímenes que suceden en un complejo habitacional compuesto por varios edificios. El inspector Takayama es parte del equipo a cargo de llevar las pesquisas, transformándose a medida que avanza la historia en testigo de inusuales situaciones.
Porque lo que se cierne sobre la vida de los moradores de dichos departamentos es la capacidad de alguien de alterar la mete de las personas, alguien de quien nadie podría sospechar pero que esconde bajo una aparente inocencia poderes psíquicos capaces de provocar insospechados comportamientos. Y sin embargo para él podría tratarse sólo de un juego.
Pesadillas contiene extraordinarios momentos de suspenso y el ritmo no decae en ningún instante. Algunas viñetas son amplias y muy detallistas. El guión es hábil y permite ir siguiendo alternadamente a la policía elaborando hipótesis mientras los habitantes de los edificios son testigos y víctimas de los extraños sucesos. Una obra propia de un autor mayor como es Katsuhiro Otomo.
Pesadillas.
Título Original: Domu.
Año: 1980.
Autor: Katsuhiro Otomo.
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Etiquetas: Arte Gráfico
5.29.2009
Blankets.
"Ambos sabíamos que no había nada para nosotros aparte del momento".
En Blankets se narran dos historias: una situada en la infancia y la otra en la adolescencia. Su protagonista es Craig, un joven criado bajo una estricta formación cristiana. La historia de Craig deambula entre la relación con su hermano en la infancia, su relación con sus compañeros de escuela, sus cuestionamientos religiosos, su vocación artística y sobre todo el recuerdo del primer amor. Momentos marcados por los sentimientos, los recuerdos y las ilusiones.
Blankets se enmarca dentro de aquellos comics de carácter autobiográfico, donde el autor plasma en el dibujo experiencias personales. El resultado es absolutamente gratificante. Blankets es un relato que surge desde los recuerdos, de los buenos y malos recuerdos. De allí que la sensación que entrega es la de un relato onírico, donde le dibujo expresionista funciona para ir delineando escenas pero también para demostrar que los recuerdos están allí, pueden ser idealizados, ser parte de los sueños como también de las pesadillas.
El dibujante Craig Thompson demuestra su habilidad narrativa intercalando momentos netamente gráficos con otros cargados de profundas reflexiones. Mediante el diseño de amplios dibujos transporta al lector a momentos de ensueño, a la vez que desarrolla otras marcadas por la cotidianeidad, donde hace una acabado desarrollo de personajes y situaciones. De este modo queda plasmado en el papel el testimonio de situaciones vividas, aquellas que el fruto de los años van perpetuando en la memoria, aunque se alce sobre ellas la amenaza del olvido como también la de yacer bajo el abrazo del fuego.
Blankets.
Año: 2003.
Autor: Craig Thompson.
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En Blankets se narran dos historias: una situada en la infancia y la otra en la adolescencia. Su protagonista es Craig, un joven criado bajo una estricta formación cristiana. La historia de Craig deambula entre la relación con su hermano en la infancia, su relación con sus compañeros de escuela, sus cuestionamientos religiosos, su vocación artística y sobre todo el recuerdo del primer amor. Momentos marcados por los sentimientos, los recuerdos y las ilusiones.
Blankets se enmarca dentro de aquellos comics de carácter autobiográfico, donde el autor plasma en el dibujo experiencias personales. El resultado es absolutamente gratificante. Blankets es un relato que surge desde los recuerdos, de los buenos y malos recuerdos. De allí que la sensación que entrega es la de un relato onírico, donde le dibujo expresionista funciona para ir delineando escenas pero también para demostrar que los recuerdos están allí, pueden ser idealizados, ser parte de los sueños como también de las pesadillas.
El dibujante Craig Thompson demuestra su habilidad narrativa intercalando momentos netamente gráficos con otros cargados de profundas reflexiones. Mediante el diseño de amplios dibujos transporta al lector a momentos de ensueño, a la vez que desarrolla otras marcadas por la cotidianeidad, donde hace una acabado desarrollo de personajes y situaciones. De este modo queda plasmado en el papel el testimonio de situaciones vividas, aquellas que el fruto de los años van perpetuando en la memoria, aunque se alce sobre ellas la amenaza del olvido como también la de yacer bajo el abrazo del fuego.
Blankets.
Año: 2003.
Autor: Craig Thompson.
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Etiquetas: Arte Gráfico
4.29.2009
Watchmen.
El tiempo corre. Es el año 1985. En el mundo se vive un ambiente de crisis. La situación política y social se encuentra en alta tensión, acorde a los tiempos de Guerra Fría que se viven en ese momento. Richard Nixon ya va en su quinto periodo consecutivo como Presidente de los Estados Unidos. A esta inquietud se suma la de los propios superhéroes, quienes producto de un decreto gubernamental se encuentran alejados de su actividad. Pero la extraña muerte de un ex-superhéroe gatilla una serie de acontecimientos que los volverá a la acción.
Watchmen, la serie gráfica que consolidó la carrera de Alan Moore, que le dio un nuevo giro a las historietas de superhéroes, es ante todo el relato acerca de la inestabilidad, de la pérdida de control sobre los propios actos y sobre la incapacidad de poder evitar las peores consecuencias que lo anterior puede conllevar. En Watchmen la humanidad se encuentra al desamparo, navegando sin rumbo por aguas intranquilas, con la tensa espera de que algo surgirá de las profundidades para acabar con todo ánimo de esperanza.
De lo anterior da cuenta el Dr. Manhattan, el único superhéroe con reales poderes sobrehumanos, capaz de alterar el espacio-tiempo a voluntad y por tanto ser capaz de vislumbrar el futuro de la humanidad. Su indiferencia ante los sucesos que van ocurriendo incrementa la incomprensión que despierta hacia los demás. Consiente también de la situación mundial es El Comediante, el cual sin necesitar de poderes extraordinarios, y fiel a su particular personalidad, da a entender que la humanidad quizás no merece el esfuerzo que él y sus compañeros han depositado por ella.
Los protagonistas de Watchmen son ante todo antihéroes, con un perfil que lleva al extremo la descripción de personajes complejos, afectados por traumas emocionales, carencias afectivas y rencores. A lo largo de esta historia se resumen además muchas de las características que estos seres han cultivado en el cómic. El tipo millonario pero hastiado que invierte en equipos para hacer de este oficio un trabajo de tiempo completo. O aquel que no es humano, y tiene poderes sobrenaturales, pero que es incomprendido y solitario.
El guión de Moore y los dibujos de Dave Gibbons relatan con mucha soltura situaciones que se van desarrollando con notable agilidad. En conjunto Watchmen es una obra muy bien narrada, aunque su desenlace no se condice con lo expuesto en sus páginas. Sus mejores momentos van de la mano cuando el relato toma conciencia de su formato. Esto es cuando se entrecruzan la historia principal con la del Navío Negro, un comic que lee un muchacho en un quiosco, o cuando el mismo vendedor del quiosco hace un breve comentario sobre los superhéroes.
Porque hubo un tiempo en que los superhéroes habitaban sólo en las historietas. Luego comenzaron a aparecer en la vida real y las cosas fueron distintas. Ya no se trataba de seres fantásticos, dignos de admiración. Con el tiempo sus actos heroicos se transformaron en un problema social. Watchmen es una obra que influyó en el desarrollo del cómic de superhéroes (rompiendo algunas de las limitaciones propias de este sub-género), dejando un legado que hasta hoy es motivo de admiración.
Watchmen.
Año: 1986-1987.
Autores: Alan Moore (Guión), Dave Gibbons (Dibujo).
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Watchmen, la serie gráfica que consolidó la carrera de Alan Moore, que le dio un nuevo giro a las historietas de superhéroes, es ante todo el relato acerca de la inestabilidad, de la pérdida de control sobre los propios actos y sobre la incapacidad de poder evitar las peores consecuencias que lo anterior puede conllevar. En Watchmen la humanidad se encuentra al desamparo, navegando sin rumbo por aguas intranquilas, con la tensa espera de que algo surgirá de las profundidades para acabar con todo ánimo de esperanza.
De lo anterior da cuenta el Dr. Manhattan, el único superhéroe con reales poderes sobrehumanos, capaz de alterar el espacio-tiempo a voluntad y por tanto ser capaz de vislumbrar el futuro de la humanidad. Su indiferencia ante los sucesos que van ocurriendo incrementa la incomprensión que despierta hacia los demás. Consiente también de la situación mundial es El Comediante, el cual sin necesitar de poderes extraordinarios, y fiel a su particular personalidad, da a entender que la humanidad quizás no merece el esfuerzo que él y sus compañeros han depositado por ella.
Los protagonistas de Watchmen son ante todo antihéroes, con un perfil que lleva al extremo la descripción de personajes complejos, afectados por traumas emocionales, carencias afectivas y rencores. A lo largo de esta historia se resumen además muchas de las características que estos seres han cultivado en el cómic. El tipo millonario pero hastiado que invierte en equipos para hacer de este oficio un trabajo de tiempo completo. O aquel que no es humano, y tiene poderes sobrenaturales, pero que es incomprendido y solitario.
El guión de Moore y los dibujos de Dave Gibbons relatan con mucha soltura situaciones que se van desarrollando con notable agilidad. En conjunto Watchmen es una obra muy bien narrada, aunque su desenlace no se condice con lo expuesto en sus páginas. Sus mejores momentos van de la mano cuando el relato toma conciencia de su formato. Esto es cuando se entrecruzan la historia principal con la del Navío Negro, un comic que lee un muchacho en un quiosco, o cuando el mismo vendedor del quiosco hace un breve comentario sobre los superhéroes.
Porque hubo un tiempo en que los superhéroes habitaban sólo en las historietas. Luego comenzaron a aparecer en la vida real y las cosas fueron distintas. Ya no se trataba de seres fantásticos, dignos de admiración. Con el tiempo sus actos heroicos se transformaron en un problema social. Watchmen es una obra que influyó en el desarrollo del cómic de superhéroes (rompiendo algunas de las limitaciones propias de este sub-género), dejando un legado que hasta hoy es motivo de admiración.
Watchmen.
Año: 1986-1987.
Autores: Alan Moore (Guión), Dave Gibbons (Dibujo).
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Etiquetas: Arte Gráfico
3.30.2009
Jimmy Corrigan.
Jimmy Corrigan es un hombre tímido, de aspecto avejentado y con evidentes carencias afectivas. Mantiene contacto con su madre, quien persistentemente lo llama por teléfono. Un día recibe una carta de su padre, a quien no conoce, y quien le pide que se encuentren. Jimmy Corrigan es un tipo infeliz. El abuelo paterno de Jimmy -también llamado Jimmy- tampoco tuvo una vida feliz. Su infancia fue un periodo triste donde debió lidiar con un estricto padre y la ausencia de una madre que le diera amor.
Desgarradora y perturbadora, en la historia de los Jimmy Corrigan -del nieto y del abuelo- se trasluce un relato de abandono e incomunicación y donde la figura paterna es un elemento fundamental del drama. Narrada de un modo asombroso, con dibujos muy bien elaborados y con un lenguaje gráfico muy preciso e innovador, este trabajo de Chris Ware realmente cautiva por sus detalles, el modo en que ordena las viñetas y la presentación de los distintos elementos: personajes, ambientes, tiempos.
La historia en varios momentos transmite emoción sólo a través de los dibujos, los gestos de los personajes, las situaciones, incluso con los objetos. Las explicaciones son sólo las necesarias y permiten contextualizar lo narrado en tiempo y lugar. Contiene además instantes deslumbrantes, como aquellos asociados a Jimmy Corrigan, el nieto, quien tiene una imaginación delirante y donde con frecuencia se deja entrever las proyecciones de sus propios temores e inseguridades.
En este sentido, conmociona las situaciones por la que pasan los personajes protagónicos. En el caso del nieto, la ausencia paterna y la dominante actitud de su madre signan su carácter inseguro, solitario y carente del sentido de identidad y autoestima. En el caso del abuelo, sus primeros años en el colegio junto a la indiferencia de su padre resultan decidores en la actitud tosca que con los años manifiesta.
Jimmy Corrigan, el chico más inteligente del mundo (título de la edición en español) está inspirada en algunos episodios vividos por su autor. Esto hace que el relato transmita sinceridad en sus momentos dramáticos más complejos. Además, la historia se va abriendo ante el lector de manera pausada, induciendo además al lector a preguntarse qué será lo próximo que vendrá. Es en suma un relato inteligente, emotivo, muy bien confeccionado y donde forma y fondo se fusionan en un resultado que no deja indiferente.
Jimmy Corrigan, el chico más listo de la Tierra.
Título Original: Jimmy Corrigan: The Smartest Kid on Earth.
Año: 2000.
Autor: Chris Ware.
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Desgarradora y perturbadora, en la historia de los Jimmy Corrigan -del nieto y del abuelo- se trasluce un relato de abandono e incomunicación y donde la figura paterna es un elemento fundamental del drama. Narrada de un modo asombroso, con dibujos muy bien elaborados y con un lenguaje gráfico muy preciso e innovador, este trabajo de Chris Ware realmente cautiva por sus detalles, el modo en que ordena las viñetas y la presentación de los distintos elementos: personajes, ambientes, tiempos.
La historia en varios momentos transmite emoción sólo a través de los dibujos, los gestos de los personajes, las situaciones, incluso con los objetos. Las explicaciones son sólo las necesarias y permiten contextualizar lo narrado en tiempo y lugar. Contiene además instantes deslumbrantes, como aquellos asociados a Jimmy Corrigan, el nieto, quien tiene una imaginación delirante y donde con frecuencia se deja entrever las proyecciones de sus propios temores e inseguridades.
En este sentido, conmociona las situaciones por la que pasan los personajes protagónicos. En el caso del nieto, la ausencia paterna y la dominante actitud de su madre signan su carácter inseguro, solitario y carente del sentido de identidad y autoestima. En el caso del abuelo, sus primeros años en el colegio junto a la indiferencia de su padre resultan decidores en la actitud tosca que con los años manifiesta.
Jimmy Corrigan, el chico más inteligente del mundo (título de la edición en español) está inspirada en algunos episodios vividos por su autor. Esto hace que el relato transmita sinceridad en sus momentos dramáticos más complejos. Además, la historia se va abriendo ante el lector de manera pausada, induciendo además al lector a preguntarse qué será lo próximo que vendrá. Es en suma un relato inteligente, emotivo, muy bien confeccionado y donde forma y fondo se fusionan en un resultado que no deja indiferente.
Jimmy Corrigan, el chico más listo de la Tierra.
Título Original: Jimmy Corrigan: The Smartest Kid on Earth.
Año: 2000.
Autor: Chris Ware.
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Etiquetas: Arte Gráfico
2.26.2009
Contrato con Dios.
Will Eisner fue un reconocido dibujante de cómics norteamericano. Entre sus obras más conocidas se encuentra The Spirit, una serie acerca de un detective y que estrenó una adaptación al cine bajo la dirección del también dibujante de cómics Frank Miller. En 1978, y a los 61 años, Eisner publicó Contrato con Dios, obra considerada la primera novela gráfica de la historia. En ella Eisner se desmarca del lenguaje habitual de la historieta para relatar cuatro historias de fuerte componente autobiográfico, extraídos de los recuerdos de Eisner de su infancia vivida en la avenida Droopsie, en la Nueva York de los años 30.
La primera de ella le da el título a la obra. Contrato con Dios nos habla de un hombre que pierde la fe luego de la muerte de su hija adoptiva. Es lejos el mejor de los cuatro relatos. Una historia potente, muy bien contada. El cantante callejero es la segunda pieza dentro de este trabajo, un singular relato del absurdo y una inquietante realidad. La tercera historia, El súper, sigue de algún modo el espíritu de la anterior, con un personaje protagónico desagradable y a la vez estúpido. Finalmente Cookalein es un relato coral que juega con la inocencia, el humor y la vida de los habitantes de la Avenida Droopsie.
Eisner no usa marcos para ordenar los dibujos como la mayoría de los cómics lo hacen. El autor en este caso desarrolla dibujos de gran tamaño acompañado de textos simples, descriptivos en su mayoría, de modo que la lectura se hace ágil y precisa. El diseño caricaturesco de los dibujos no desmerece en absoluto el tono que Eisner pretende imprimir en sus relatos. A excepción de la última historia, los otros relatos ofrecen un crudo testimonio de la vida de los inmigrantes de Norteamérica, y en su conjunto la obra realiza una sincera semblanza de la vida de esos años.
Eisner centraría sus posteriores trabajos en contar historias siguiendo las pautas estilísticas y narrativas establecidas en Contrato con Dios. Adaptaciones de novelas clásicas e historias personales extraídas -como Contrato con Dios- de los recuerdos serían parte del trabajo que este autor desarrollaría en los siguientes años. Pesarían también en sus relatos una marcada preferencia por contar historias que reforzaban su condición de judío, un aspecto no menor para Eisner quien señalaría en una de sus obras que por ser judío fue víctima de "prejuicios, incidentes dolorosos y vejaciones".
Contrato con Dios.
Título Original: A contract with God.
Año: 1978.
Autor: Will Eisner.
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La primera de ella le da el título a la obra. Contrato con Dios nos habla de un hombre que pierde la fe luego de la muerte de su hija adoptiva. Es lejos el mejor de los cuatro relatos. Una historia potente, muy bien contada. El cantante callejero es la segunda pieza dentro de este trabajo, un singular relato del absurdo y una inquietante realidad. La tercera historia, El súper, sigue de algún modo el espíritu de la anterior, con un personaje protagónico desagradable y a la vez estúpido. Finalmente Cookalein es un relato coral que juega con la inocencia, el humor y la vida de los habitantes de la Avenida Droopsie.
Eisner no usa marcos para ordenar los dibujos como la mayoría de los cómics lo hacen. El autor en este caso desarrolla dibujos de gran tamaño acompañado de textos simples, descriptivos en su mayoría, de modo que la lectura se hace ágil y precisa. El diseño caricaturesco de los dibujos no desmerece en absoluto el tono que Eisner pretende imprimir en sus relatos. A excepción de la última historia, los otros relatos ofrecen un crudo testimonio de la vida de los inmigrantes de Norteamérica, y en su conjunto la obra realiza una sincera semblanza de la vida de esos años.
Eisner centraría sus posteriores trabajos en contar historias siguiendo las pautas estilísticas y narrativas establecidas en Contrato con Dios. Adaptaciones de novelas clásicas e historias personales extraídas -como Contrato con Dios- de los recuerdos serían parte del trabajo que este autor desarrollaría en los siguientes años. Pesarían también en sus relatos una marcada preferencia por contar historias que reforzaban su condición de judío, un aspecto no menor para Eisner quien señalaría en una de sus obras que por ser judío fue víctima de "prejuicios, incidentes dolorosos y vejaciones".
Contrato con Dios.
Título Original: A contract with God.
Año: 1978.
Autor: Will Eisner.
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Etiquetas: Arte Gráfico
1.22.2009
El Garaje Hermético.
Fruto en buena parte de la improvisación, El Garaje Hermético es una verdadera obra maestra del comic, que pese a su particular gestación logra imponer una trama lúdica, absolutamente entendible pero a la vez sorprendentemente consistente con un mundo caótico dominado por curiosos personajes e invadido de un sentido de humor y del absurdo que le permite al lector viajar por sus páginas de manera ágil, entusiasta y con un deseo de saber qué será lo próximo que vendrá.
El ingeniero Barnier ha destrozado una nave cablera de "concepción perfectamente revolucionaria" luego de dirigir un "proyector de partículas de doble polarización cromática" hacia una estructura cristalina que le producía "inquietudes particulares". A partir de esta negligencia se desarrollan un sinnúmero de situaciones donde cobra protagonismo el Mayor Grubert, héroe inventado por el dibujante Moebius y cuyas hazañas se acercan más al ridículo que a las proezas heroicas.
En esta historia Grubert se entera que un sujeto, Jerry Cornelius, ha ingresado al particular y complejo mundo que el Mayor ha creado en un asteroide. De este modo se produce una búsqueda infatigable que conlleva a pequeñas historias donde Grubert y Cornelius no son sus únicos protagonistas. La novia del Mayor de nombre Malvina, un sujeto llamado Larc Dalxtre y un arquero enmascarado son algunos de los personajes arrastrados hacia un mundo que tiene su propio orden.
La llegada de Cornelius a este mundo al parecer no traería nada bueno, aunque en realidad las motivaciones de los personajes no tienen ninguna trascendencia salvo ir gatillando pequeños epiosodios. Porque El Garaje Hermético, cual historia de aventuras, se cuenta por episodios de entre dos y cuatro páginas (a excepción de los últimos dos episodios que son de 8) y que tienen pequeños resumenes que sintetizan, repasan e ironizan con la historia y el uso propio de estos mismos.
El diseño de Moebius va desde trazos muy simples a dibujos muy bien desarrollados, ricos en detalles y terminaciones. Su particular estilo para diseño de arquitecturas, vestuarios y seres se trasluce en cada viñeta. La gran virtud de esta obra es que está hecha de detalles, y por tanto cada nueva lectura le permite al lector ir descubriendo pequeños aspectos que pudieran haber sido pasados por alto en un comienzo.
Moebius configura el relato a partir de los diseños, una de las aspectos interesantes de su obra y que ha plasmado en trabajos como La Desviación o Rock City. El Garaje Hermético resulta ser finalmente un extraño relato de ciencia-ficción, fantasía y aventuras, con un desenlace más tradicional en comparación al resto del relato aunque en su totalidad la obra abarca mucho más y no sería justo encasillarla dentro de algún género.
El Garaje Hermético.
Título Original: Le Garage hermétique.
Año: 1976.
Autor: Moebius.
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El ingeniero Barnier ha destrozado una nave cablera de "concepción perfectamente revolucionaria" luego de dirigir un "proyector de partículas de doble polarización cromática" hacia una estructura cristalina que le producía "inquietudes particulares". A partir de esta negligencia se desarrollan un sinnúmero de situaciones donde cobra protagonismo el Mayor Grubert, héroe inventado por el dibujante Moebius y cuyas hazañas se acercan más al ridículo que a las proezas heroicas.
En esta historia Grubert se entera que un sujeto, Jerry Cornelius, ha ingresado al particular y complejo mundo que el Mayor ha creado en un asteroide. De este modo se produce una búsqueda infatigable que conlleva a pequeñas historias donde Grubert y Cornelius no son sus únicos protagonistas. La novia del Mayor de nombre Malvina, un sujeto llamado Larc Dalxtre y un arquero enmascarado son algunos de los personajes arrastrados hacia un mundo que tiene su propio orden.
La llegada de Cornelius a este mundo al parecer no traería nada bueno, aunque en realidad las motivaciones de los personajes no tienen ninguna trascendencia salvo ir gatillando pequeños epiosodios. Porque El Garaje Hermético, cual historia de aventuras, se cuenta por episodios de entre dos y cuatro páginas (a excepción de los últimos dos episodios que son de 8) y que tienen pequeños resumenes que sintetizan, repasan e ironizan con la historia y el uso propio de estos mismos.
El diseño de Moebius va desde trazos muy simples a dibujos muy bien desarrollados, ricos en detalles y terminaciones. Su particular estilo para diseño de arquitecturas, vestuarios y seres se trasluce en cada viñeta. La gran virtud de esta obra es que está hecha de detalles, y por tanto cada nueva lectura le permite al lector ir descubriendo pequeños aspectos que pudieran haber sido pasados por alto en un comienzo.
Moebius configura el relato a partir de los diseños, una de las aspectos interesantes de su obra y que ha plasmado en trabajos como La Desviación o Rock City. El Garaje Hermético resulta ser finalmente un extraño relato de ciencia-ficción, fantasía y aventuras, con un desenlace más tradicional en comparación al resto del relato aunque en su totalidad la obra abarca mucho más y no sería justo encasillarla dentro de algún género.
El Garaje Hermético.
Título Original: Le Garage hermétique.
Año: 1976.
Autor: Moebius.
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Etiquetas: Arte Gráfico, Moebius
12.09.2008
Maus.
En Maus el dibujante Art Spiegelman cuenta la historia de su padre Vladek y de su madre Anja, judíos polacos sobrevivientes del holocausto. El artista desarrolla la historia representando a los protagonistas como animales antropomorfizados: los judíos son ratones (maus en alemán significa ratón), los nazis son gatos, los polacos son cerdos, los norteamericanos son perros. Aún así la historia es tomada con la seriedad de una novela normal, entregando datos de la vida de los personajes, sus vínculos afectivos, aspectos relacionados con las estrategias desarrolladas por Vladek y su familia para evitar el arresto por parte de los nazis, así como de su confinamiento posterior en ghettos y campos de concentración.
Maus es además una mezcla de catarsis personal y retrato histórico. En su conjunto la obra no sólo abarca la historia de los padres de Spiegelman tratando de escabullirse de los nazis, sino que también es un duro retrato de su propia relación con su padre. Es así como el relato va y viene entre el tiempo "presente", donde el artista entrevista a su padre para saber cómo logró sobrevivir él y su madre al régimen nazi, y el tiempo "pasado" donde se muestra la vida de Vladek en Polonia con sus suegros y familiares. Todo en el lenguaje propio de las viñetas diseñadas por el autor.
Art Spiegelman no tiene reparos en mostrar las distintas facetas de su padre, un hombre con talentos (en especial para los negocios), de ingenio y capacidad para sobreponerse a los duros momentos vividos durante la Segunda Guerra Mundial, pero también con evidentes defectos, los cuales pueden estar a la par de su extraordinaria odisea. Prejuicioso, orgulloso y en ocasiones no muy amable, Vladek Spiegelman no es de ningún modo un padre ejemplar, y eso trasluce en la historia.
Inicialmente la obra fue publicada desde 1980 por entregas en la revista Raw, que ese mismo año Spiegelman había fundado. Posteriormente fue editada en dos volumenes. El primero apareció en 1986 bajo el subtítulo Mi padre sangra historia (My father Bleeds History) y el segundo en 1991 con el subtítulo Y aquí comenzaron mis problemas (And here my Troubles began). Posteriormente se editó en forma íntegra en un sólo volumen.
Con trazo de líneas gruesas, en blanco y negro, y con buen uso de las sombras, el trabajo que desarrolla Spiegelman en esta novela gráfica le permite desplegar momentos lúdicos apoyados en la caracterización de los personajes, como por ejemplo cuando sus padres deben hacerse pasar por polacos, dibujando a los ratones con máscaras de cerdos. O cuando se dirige directamente al lector como un hombre con una máscara de ratón. El resultado transmite un alto grado de sensibilidad artística y una dedicación por los detalles que hacen que la historia sea absolutamente cautivante. Un hito dentro de la historia del noveno arte.
Maus.
Título Original: Maus. A survivor's tale.
Año: 1986, 1991.
Autor: Art Spiegelman.
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Maus es además una mezcla de catarsis personal y retrato histórico. En su conjunto la obra no sólo abarca la historia de los padres de Spiegelman tratando de escabullirse de los nazis, sino que también es un duro retrato de su propia relación con su padre. Es así como el relato va y viene entre el tiempo "presente", donde el artista entrevista a su padre para saber cómo logró sobrevivir él y su madre al régimen nazi, y el tiempo "pasado" donde se muestra la vida de Vladek en Polonia con sus suegros y familiares. Todo en el lenguaje propio de las viñetas diseñadas por el autor.
Art Spiegelman no tiene reparos en mostrar las distintas facetas de su padre, un hombre con talentos (en especial para los negocios), de ingenio y capacidad para sobreponerse a los duros momentos vividos durante la Segunda Guerra Mundial, pero también con evidentes defectos, los cuales pueden estar a la par de su extraordinaria odisea. Prejuicioso, orgulloso y en ocasiones no muy amable, Vladek Spiegelman no es de ningún modo un padre ejemplar, y eso trasluce en la historia.
Inicialmente la obra fue publicada desde 1980 por entregas en la revista Raw, que ese mismo año Spiegelman había fundado. Posteriormente fue editada en dos volumenes. El primero apareció en 1986 bajo el subtítulo Mi padre sangra historia (My father Bleeds History) y el segundo en 1991 con el subtítulo Y aquí comenzaron mis problemas (And here my Troubles began). Posteriormente se editó en forma íntegra en un sólo volumen.
Con trazo de líneas gruesas, en blanco y negro, y con buen uso de las sombras, el trabajo que desarrolla Spiegelman en esta novela gráfica le permite desplegar momentos lúdicos apoyados en la caracterización de los personajes, como por ejemplo cuando sus padres deben hacerse pasar por polacos, dibujando a los ratones con máscaras de cerdos. O cuando se dirige directamente al lector como un hombre con una máscara de ratón. El resultado transmite un alto grado de sensibilidad artística y una dedicación por los detalles que hacen que la historia sea absolutamente cautivante. Un hito dentro de la historia del noveno arte.
Maus.
Título Original: Maus. A survivor's tale.
Año: 1986, 1991.
Autor: Art Spiegelman.
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11.15.2008
La ciencia de la revolución.
"Las revoluciones no se ganan alistando a las masas, mi querida Wyoming. La revolución es una ciencia que sólo unos cuantos están en condiciones de practicar. Depende de una organización correcta y, por encima de todo, de las comunicaciones. Luego, en el adecuado momento histórico, hay que actuar. Correctamente organizado y dado a su debido tiempo, es un golpe incruento. Aplicado con torpeza o prematuramente, el resultado es una guerra civil, violencias de la multitud, purgas y terror."
La Luna es una cruel amante.
En La Luna es una cruel amante, el escritor Robert A. Heinlein narra los sucesos que en el año 2075 llevaron a una revolución en la colonia lunar. Hasta ese momento La Luna había sido utilizada como una suerte de centro penitenciario (y ocasional destino de viajes turísticos por parte de los "terrícolas"), donde las personas que resultaban ser acusadas en La Tierra de alguna falta eran condenadas a pasar su vida en ese lugar. Eso fue durante varios años, décadas en las cuales esta colonia vigilada por un Alcaide (o Autoridad Lunar) comenzó a dar forma a una sociedad con una idiosincracia definida y donde sus integrantes poco a poco comenzaron a sentir que no eran reclusos, sino personas con derechos y libertades.
La Luna es una cruel amante es un relato minucioso narrado bajo la perspectiva de su personaje principal, Manuel O'Kelly Davis, "Mannie", un técnico con un brazo mecánico cuya ocupación principal es la de velar por la mantención de Mike, una computadora capaz de hablar y bajo la cual se realizan todas las operaciones en La Luna: comunicaciones, acceso a base de datos, control de equipos, puertas, sistemas de aireación, economía, producción, etc.. Mannie ha establecido una particular relación con Mike, no sólo porque es el único ser humano capaz de resolver cualquier dificultad en las operaciones de la computadora, sino porque además Mike ha desarrollado una curiosa "personalidad".
Junto a Mannie se encuentra Wyoming Knott, una atractiva activista en pos de la libertad de La Luna, el profesor Bernardo de la Paz, un autodidacta con cierto ascendiente sobre parte de la población Lunar y el que "racionaliza" la marcha de la revolución, y los miembros de la familia lineal Davis. La primera parte narra cómo se conocieron Mannie y Wyoming, y cómo junto al profesor De la Paz y la computadora Mike comenzaron a organizar la revolución. Toda la primera parte narra las múltiples actividades del grupo para ir generando tensión entre la Autoridad Lunar y los habitantes, culminando con el alzamiento definitivo y el derrocamiento de la Autoridad Lunar.
La segunda parte narra los conflictos que suscitaron la nueva organización, la preparación ante un inminente ataque desde La Tierra y los intentos del profesor De la Paz y Mannie por lograr el reconocimiento de las naciones de La Tierra a La Luna como nación independiente. A diferencia de la primera parte, donde toda la descripción corría por cuenta de la narración de Mannie, aquí el relato es más ágil e interesante porque se desarrolla en gran parte mediante entretenidos y apasionantes diálogos. Bajo el punto de vista de sus personajes Heinlein critica a la sociedad terrícola y no deja de aprovechar la ocasión para hacer comparaciones con la singular vida en la Luna.
La tercera parte narra el enfrentamiento definitivo entre los colonos y los terrícolas y el desenlace final para los personajes. Las fortalezas de la historia ya han sido desplegadas en los segmentos anteriores y aquí simplemente Heinlein culmina el relato de manera adecuada, sin opacar lo anterior pero tampoco perjudicando el resultado. En su conjunto, la novela contiene un relato que se hace lento por momentos a raíz de los minuciosos detalles que se entregan: el sistema matrimonial de las familias de La Luna, su economía, la organización paso a paso de los rebeldes para llevar a cabo sus propósitos. Sin embargo el autor otorga también breves momentos hilarantes que corren principalmente por cuenta de Mike.
Uno de los aspectos más destacados de esta novela son algunas aseveraciones que realiza Heinlein respecto de los movimientos revolucionarios y las organizaciones humanas. Mezcla de sarcasmo y acertada verdad, Heinlein va configurando un relato en que ironiza con las pretensiones humanas de lograr acuerdos colectivos, en particular sus sistemas políticos. De aquí se desprenden varias ideas, una de las cuales es que nada es gratis y todo se termina por pagar. De estas declaraciones se sustenta el valor de La Luna es una cruel amante, un relato más que interesante y que constituye un buen acercamiento a la obra de Heinlein y a la narrativa clásica de la ciencia-ficción.
La Luna es una cruel amante.
Título Original: The Moon Is A Harsh Mistress.
Año: 1966.
Autor: Robert A. Heinlein.
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La Luna es una cruel amante es un relato minucioso narrado bajo la perspectiva de su personaje principal, Manuel O'Kelly Davis, "Mannie", un técnico con un brazo mecánico cuya ocupación principal es la de velar por la mantención de Mike, una computadora capaz de hablar y bajo la cual se realizan todas las operaciones en La Luna: comunicaciones, acceso a base de datos, control de equipos, puertas, sistemas de aireación, economía, producción, etc.. Mannie ha establecido una particular relación con Mike, no sólo porque es el único ser humano capaz de resolver cualquier dificultad en las operaciones de la computadora, sino porque además Mike ha desarrollado una curiosa "personalidad".
Junto a Mannie se encuentra Wyoming Knott, una atractiva activista en pos de la libertad de La Luna, el profesor Bernardo de la Paz, un autodidacta con cierto ascendiente sobre parte de la población Lunar y el que "racionaliza" la marcha de la revolución, y los miembros de la familia lineal Davis. La primera parte narra cómo se conocieron Mannie y Wyoming, y cómo junto al profesor De la Paz y la computadora Mike comenzaron a organizar la revolución. Toda la primera parte narra las múltiples actividades del grupo para ir generando tensión entre la Autoridad Lunar y los habitantes, culminando con el alzamiento definitivo y el derrocamiento de la Autoridad Lunar.
La segunda parte narra los conflictos que suscitaron la nueva organización, la preparación ante un inminente ataque desde La Tierra y los intentos del profesor De la Paz y Mannie por lograr el reconocimiento de las naciones de La Tierra a La Luna como nación independiente. A diferencia de la primera parte, donde toda la descripción corría por cuenta de la narración de Mannie, aquí el relato es más ágil e interesante porque se desarrolla en gran parte mediante entretenidos y apasionantes diálogos. Bajo el punto de vista de sus personajes Heinlein critica a la sociedad terrícola y no deja de aprovechar la ocasión para hacer comparaciones con la singular vida en la Luna.
La tercera parte narra el enfrentamiento definitivo entre los colonos y los terrícolas y el desenlace final para los personajes. Las fortalezas de la historia ya han sido desplegadas en los segmentos anteriores y aquí simplemente Heinlein culmina el relato de manera adecuada, sin opacar lo anterior pero tampoco perjudicando el resultado. En su conjunto, la novela contiene un relato que se hace lento por momentos a raíz de los minuciosos detalles que se entregan: el sistema matrimonial de las familias de La Luna, su economía, la organización paso a paso de los rebeldes para llevar a cabo sus propósitos. Sin embargo el autor otorga también breves momentos hilarantes que corren principalmente por cuenta de Mike.
Uno de los aspectos más destacados de esta novela son algunas aseveraciones que realiza Heinlein respecto de los movimientos revolucionarios y las organizaciones humanas. Mezcla de sarcasmo y acertada verdad, Heinlein va configurando un relato en que ironiza con las pretensiones humanas de lograr acuerdos colectivos, en particular sus sistemas políticos. De aquí se desprenden varias ideas, una de las cuales es que nada es gratis y todo se termina por pagar. De estas declaraciones se sustenta el valor de La Luna es una cruel amante, un relato más que interesante y que constituye un buen acercamiento a la obra de Heinlein y a la narrativa clásica de la ciencia-ficción.
La Luna es una cruel amante.
Título Original: The Moon Is A Harsh Mistress.
Año: 1966.
Autor: Robert A. Heinlein.
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Etiquetas: Libros
10.27.2008
El Incal.
En un futuro dominado por la tecnología y las drogas, John Difool es un detective privado clase R que sin querer se ve envuelto en medio de una batalla por la posesión de un extraño objeto conocido como El Incal. Todo esto cuando el Imperio Galáctico ha comenzado a evidenciar una crisis política mientras se sospecha de una eventual invasión por parte de una raza alienígena conocida como los Berg. En El Incal se desarrolla un delirante y vertiginoso viaje por mundos fantásticos, habitado por toda clase de criaturas, gracias al argumento creado por Alejandro Jodorowsky y el trazo del dibujante francés Jean Giraud, también conocido como Moebius.
En el universo de El Incal los hombres han olvidado a Dios y se han abocado al sedentarismo, amén de poseer una falta de moral que transforma a la civilización humana en algo más que una plaga a ser exterminada. Junto a Difool y los Berg en El Incal habitan personajes como el Metabarón (un asesino a sueldo), Deepo (un pájaro de hormigón), las hermanas Tanatah y Animah, Kill Cabeza de Perro y los TecnoPadres, una manera de representar a la jerarquía eclesiástica. Precisamente Los TecnoPadres son los esbirros de La Tiniebla, el manto de maldad que amenaza la existencia de toda la galaxia, y ante la cual El Incal es la pieza que almacena el poder para combatirla.
La obra se publicó originalmente entre 1981 y 1989 en seis volúmenes: El Incal Negro, El Incal Luz, Lo que está abajo, Lo que está arriba, La Quinta Esencia parte I: La galaxia que sueña y La Quinta Esencia parte II: Planeta Difool. Dado el desarrollo de los acontecimientos que se cuentan en El Incal, en su conjunto el relato bien podría dividirse en dos partes: las primeras cuatro partes conteniendo un ciclo narrativo completo, y las dos partes de La Quinta Esencia como una sólo unidad narrativa, impulsadas por un vuelco en el relato tanto desde el punto de vista argumental como gráfico.
Alejandro Jodorowsky planifica el relato apelando a aspectos ontológicos y oníricos. La caída y la meditación, por ejemplo, resultan ser elementos cruciales dentro de la historia. Además de aquello, el texto es rico en situaciones, rápido en ir desenvolviendo nudos dramáticos y conteniendo pequeñas dosis de humor. Por su parte, el fino trazo de Moebius para rostros y escenarios resalta la imaginación de la historia, donde las escenas de batallas son presentadas con amplios panoramas, algo que se manifiesta particularmente en todo el segmento titulado La Quinta Esencia.
El Incal nació luego del frustrado intento de Jodorowsky por adaptar al cine la obra de Frank Herbert, Duna. En aquel momento el autor de la cinta El Topo convocó a Moebius para el diseño de ambientaciones y escenarios. Moebius y Jodorowsky decidieron crear entonces su propia historia de fantasía. Posteriormente Jodorowsky seguiría expandiendo el universo creado en El Incal con distintos derivados: la serie La Casta de los Metabarones (junto al dibujante Juan Gimenez), Los Tecnopadres (con Zoran Janjetov), John Difool antes del Incal y Después del Incal parte I: El nuevo sueño, estos dos últimos trabajos desarrollados nuevamente junto a Moebius.
Más allá del ambiente futurista y los espectaculares escenarios de batallas, alienígenas y toda clase de criaturas, El Incal es en esencia el tránsito que debe recorrer John Difool para alcanzar la iluminación, pasando de ser un torpe detective que sólo se interesa por saciar sus gustos básicos y convertirse en un ser con conocimiento cabal de la existencia. Es esta lectura de mayor profundidad sumado al altísimo nivel de ejecución que almacena en sus páginas lo que hace de El Incal una obra mayor del comic, logrando de paso unos de los puntales más altos en las respectivas carreras de sus autores.
El Incal.
Autores: Alejandro Jodorowsky (Texto) & Moebius (Dibujo).
El Incal Negro (L'Incal Noir, 1981)
El Incal Luz (L'Incal Lumière, 1982)
Lo que está abajo (Ce qui est en bas, 1984)
Lo que está arriba (Ce qui est en haut, 1985)
La Quinta Esencia I: La galaxia que sueña (La cinquième essence I - Galaxie qui Songe, 1988)
La Quinta Esencia II: Planeta Difool (La cinquième essence II - La planète Difool, 1989)
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En el universo de El Incal los hombres han olvidado a Dios y se han abocado al sedentarismo, amén de poseer una falta de moral que transforma a la civilización humana en algo más que una plaga a ser exterminada. Junto a Difool y los Berg en El Incal habitan personajes como el Metabarón (un asesino a sueldo), Deepo (un pájaro de hormigón), las hermanas Tanatah y Animah, Kill Cabeza de Perro y los TecnoPadres, una manera de representar a la jerarquía eclesiástica. Precisamente Los TecnoPadres son los esbirros de La Tiniebla, el manto de maldad que amenaza la existencia de toda la galaxia, y ante la cual El Incal es la pieza que almacena el poder para combatirla.
La obra se publicó originalmente entre 1981 y 1989 en seis volúmenes: El Incal Negro, El Incal Luz, Lo que está abajo, Lo que está arriba, La Quinta Esencia parte I: La galaxia que sueña y La Quinta Esencia parte II: Planeta Difool. Dado el desarrollo de los acontecimientos que se cuentan en El Incal, en su conjunto el relato bien podría dividirse en dos partes: las primeras cuatro partes conteniendo un ciclo narrativo completo, y las dos partes de La Quinta Esencia como una sólo unidad narrativa, impulsadas por un vuelco en el relato tanto desde el punto de vista argumental como gráfico.
Alejandro Jodorowsky planifica el relato apelando a aspectos ontológicos y oníricos. La caída y la meditación, por ejemplo, resultan ser elementos cruciales dentro de la historia. Además de aquello, el texto es rico en situaciones, rápido en ir desenvolviendo nudos dramáticos y conteniendo pequeñas dosis de humor. Por su parte, el fino trazo de Moebius para rostros y escenarios resalta la imaginación de la historia, donde las escenas de batallas son presentadas con amplios panoramas, algo que se manifiesta particularmente en todo el segmento titulado La Quinta Esencia.
El Incal nació luego del frustrado intento de Jodorowsky por adaptar al cine la obra de Frank Herbert, Duna. En aquel momento el autor de la cinta El Topo convocó a Moebius para el diseño de ambientaciones y escenarios. Moebius y Jodorowsky decidieron crear entonces su propia historia de fantasía. Posteriormente Jodorowsky seguiría expandiendo el universo creado en El Incal con distintos derivados: la serie La Casta de los Metabarones (junto al dibujante Juan Gimenez), Los Tecnopadres (con Zoran Janjetov), John Difool antes del Incal y Después del Incal parte I: El nuevo sueño, estos dos últimos trabajos desarrollados nuevamente junto a Moebius.
Más allá del ambiente futurista y los espectaculares escenarios de batallas, alienígenas y toda clase de criaturas, El Incal es en esencia el tránsito que debe recorrer John Difool para alcanzar la iluminación, pasando de ser un torpe detective que sólo se interesa por saciar sus gustos básicos y convertirse en un ser con conocimiento cabal de la existencia. Es esta lectura de mayor profundidad sumado al altísimo nivel de ejecución que almacena en sus páginas lo que hace de El Incal una obra mayor del comic, logrando de paso unos de los puntales más altos en las respectivas carreras de sus autores.
El Incal.
Autores: Alejandro Jodorowsky (Texto) & Moebius (Dibujo).
El Incal Negro (L'Incal Noir, 1981)
El Incal Luz (L'Incal Lumière, 1982)
Lo que está abajo (Ce qui est en bas, 1984)
Lo que está arriba (Ce qui est en haut, 1985)
La Quinta Esencia I: La galaxia que sueña (La cinquième essence I - Galaxie qui Songe, 1988)
La Quinta Esencia II: Planeta Difool (La cinquième essence II - La planète Difool, 1989)
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Etiquetas: Arte Gráfico, Moebius
9.27.2008
Perder la cordura.
"A veces perder la cordura constituye una respuesta adecuada a la realidad."
Etiquetas: Philip K. Dick
SIVAINVI.
El argumento de esta novela está basado en las experiencias psicóticas que su autor Philip K. Dick experimentó a partir del año 1974. Por tanto SIVAINVI se convierte en un testimonio en vida de su estado mental y de una búsqueda personal en el ámbito espiritual. El protagonista de la historia es Amacaballo Fat, un ser perturbado, inseguro, drogadicto. Fat es un alma perdida que busca afanosamente la explicación a una serie de sucesos que han marcado fuertemente su vida. En realidad, Fat busca una explicación a su propia situación, una explicación que le de sentido a su vida.
Fat es la proyección de las inseguridades de Phil, el narrador objetivo y a la vez partícipe de una historia surrealista donde abundan la falta de sentido común y un sinnúmero de especulaciones acerca de la verdadera naturaleza de la realidad. Phil es básicamente el mismo Philip K. Dick, por lo tanto Amacaballo Fat es la proyección de las inseguridades y el desquiciamiento del propio Dick. Junto a Phil y Amacaballo se encuentran Gloria, Sherry, el escéptico Kevin, David el creyente, y los delirantes autores de un extraño film de ciencia ficción clase B titulado SIVAINVI.
Philip K. Dick experimentó una serie de extrañas situaciones que marcaron fuertemente la última etapa de su vida. Pudo por un instante hablar en latín antiguo (sin haber estudiado nunca ese idioma), pronosticar un tumor en su hijo que los médicos no percataron, visualizar la antigua Roma sobre la California de 1974 y ver un rayo de luz rosa que le transmitió una alta dosis de información. A partir de esto comenzó una ardua exploración por tratar de entender aquellos fenómenos. Cada aspecto de su investigación fue registrado en su diario o Exégesis, un escrito de 8.000 páginas del cual se hace referencia en la novela. El carácter de revelación divina que se asumen los fenómenos hace que Fat (o Dick) indague en la religión y en la búsqueda espiritual, como una suerte de elegido, profeta, o un simple psicótico.
El libro en todo caso no consiste sólo en enumerar las múltiples situaciones de desequilibrio mental experimentadas por Fat. En gran parte del relato se deja en evidencia que Dick está conciente de que sus alucinaciones son sólo eso y no una verdad revelada. El juego que desarrolla al relatar en tercera persona el "quebrantamiento nervioso" del protagonista apunta en esa dirección. Como el mismo narrador lo señala, "uno de los primeros síntomas de la psicosis consiste en que la persona sienta que quizá se esté volviendo psicótica". El libro está lleno de sentencias como ésta que avalan el estado de paranoia de su autor.
No es fácil leer SIVAINVI, particularmente por la gran cantidad de especulaciones que Fat desarrolla para tratar de entender su propia existencia. Entre las diversas teorías de Fat se encuentra que el universo es irracional y que está regido por el dios Samael, el dios ciego. Aunque el nivel de profundización en que se adentra en esta novela hace que esta obra se desmarque respecto de su anterior trabajo, se mantienen ciertas constantes y el estilo narrativo de su autor. Los tres estigmas de Palmer Eldritch, Una mirada a la oscuridad y Confesiones de un artista de mierda pueden ser una buena iniciación antes de asomarse por las páginas de esta novela.
Aunque densa por momentos, el relato toma un quiebre argumental en el instante en que Kevin, Fat y Phil van al cine y ven SIVAINVI, una película de ciencia ficción clase B y que ofrece una serie de símbolismos e imágenes subliminales que llaman la atención de Amacaballo Fat por tener muchos parecidos con sus propias experiencias. Después de conocer a sus autores y a Sofía -la particular hija de éstos- Fat desaparece físicamente y Phil adquiere un breve protagonismo, situación que sólo dura hasta que Sofía muere por un accidente y poco a poco Amacaballo Fat vuelve a aparecer en la vida de Phil, dando pie a una última parte que básicamente constituye un largo corolario.
Prácticamente toda la obra de Dick versa sobre el cuestionamiento de la realidad. Así como antes sus personajes la intentaron buscar en sus novelas de ciencia ficción, en SIVAINVI es el mismo Dick el que protagoniza este cuestionamiento recurrente. SIVAINVI es en gran parte un profundo tratado acerca de la religión y la fe. Desde gnosticismo, pasando por referencias a religiones orientales, las divinidades griegas, el misticismo, Dick intenta aunar criterios, establecer una sola explicación acerca de Dios y su rol en el Universo. Todo con el propósito de poder entender las extrañas situaciones de la que él fue víctima.
SIVAINVI.
Título Original: VALIS.
Año: 1981.
Autor: Philip K. Dick.
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Fat es la proyección de las inseguridades de Phil, el narrador objetivo y a la vez partícipe de una historia surrealista donde abundan la falta de sentido común y un sinnúmero de especulaciones acerca de la verdadera naturaleza de la realidad. Phil es básicamente el mismo Philip K. Dick, por lo tanto Amacaballo Fat es la proyección de las inseguridades y el desquiciamiento del propio Dick. Junto a Phil y Amacaballo se encuentran Gloria, Sherry, el escéptico Kevin, David el creyente, y los delirantes autores de un extraño film de ciencia ficción clase B titulado SIVAINVI.
Philip K. Dick experimentó una serie de extrañas situaciones que marcaron fuertemente la última etapa de su vida. Pudo por un instante hablar en latín antiguo (sin haber estudiado nunca ese idioma), pronosticar un tumor en su hijo que los médicos no percataron, visualizar la antigua Roma sobre la California de 1974 y ver un rayo de luz rosa que le transmitió una alta dosis de información. A partir de esto comenzó una ardua exploración por tratar de entender aquellos fenómenos. Cada aspecto de su investigación fue registrado en su diario o Exégesis, un escrito de 8.000 páginas del cual se hace referencia en la novela. El carácter de revelación divina que se asumen los fenómenos hace que Fat (o Dick) indague en la religión y en la búsqueda espiritual, como una suerte de elegido, profeta, o un simple psicótico.
El libro en todo caso no consiste sólo en enumerar las múltiples situaciones de desequilibrio mental experimentadas por Fat. En gran parte del relato se deja en evidencia que Dick está conciente de que sus alucinaciones son sólo eso y no una verdad revelada. El juego que desarrolla al relatar en tercera persona el "quebrantamiento nervioso" del protagonista apunta en esa dirección. Como el mismo narrador lo señala, "uno de los primeros síntomas de la psicosis consiste en que la persona sienta que quizá se esté volviendo psicótica". El libro está lleno de sentencias como ésta que avalan el estado de paranoia de su autor.
No es fácil leer SIVAINVI, particularmente por la gran cantidad de especulaciones que Fat desarrolla para tratar de entender su propia existencia. Entre las diversas teorías de Fat se encuentra que el universo es irracional y que está regido por el dios Samael, el dios ciego. Aunque el nivel de profundización en que se adentra en esta novela hace que esta obra se desmarque respecto de su anterior trabajo, se mantienen ciertas constantes y el estilo narrativo de su autor. Los tres estigmas de Palmer Eldritch, Una mirada a la oscuridad y Confesiones de un artista de mierda pueden ser una buena iniciación antes de asomarse por las páginas de esta novela.
Aunque densa por momentos, el relato toma un quiebre argumental en el instante en que Kevin, Fat y Phil van al cine y ven SIVAINVI, una película de ciencia ficción clase B y que ofrece una serie de símbolismos e imágenes subliminales que llaman la atención de Amacaballo Fat por tener muchos parecidos con sus propias experiencias. Después de conocer a sus autores y a Sofía -la particular hija de éstos- Fat desaparece físicamente y Phil adquiere un breve protagonismo, situación que sólo dura hasta que Sofía muere por un accidente y poco a poco Amacaballo Fat vuelve a aparecer en la vida de Phil, dando pie a una última parte que básicamente constituye un largo corolario.
Prácticamente toda la obra de Dick versa sobre el cuestionamiento de la realidad. Así como antes sus personajes la intentaron buscar en sus novelas de ciencia ficción, en SIVAINVI es el mismo Dick el que protagoniza este cuestionamiento recurrente. SIVAINVI es en gran parte un profundo tratado acerca de la religión y la fe. Desde gnosticismo, pasando por referencias a religiones orientales, las divinidades griegas, el misticismo, Dick intenta aunar criterios, establecer una sola explicación acerca de Dios y su rol en el Universo. Todo con el propósito de poder entender las extrañas situaciones de la que él fue víctima.
SIVAINVI.
Título Original: VALIS.
Año: 1981.
Autor: Philip K. Dick.
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Etiquetas: Libros, Philip K. Dick
